Las entrevistas de RL: Shantell Martin
La artista habla de su último mural, realizado en colaboración con Ralph Lauren, de su estilo personal y de las novedades de 2022La artista Shantell Martin, conocida por sus características composiciones en blanco y negro, creció en Londres, en un complejo de viviendas públicas situado en Thamesmead. De niña, con un marcador, capturaba el mundo que la rodeaba creando dibujos que reflejaban un monólogo interior. Se graduó en Diseño Gráfico en Central Saint Martins. Antes de trasladarse a Nueva York en 2008, dibujaba en directo durante sesiones de DJ en clubes nocturnos de Tokio. Martin explora ideas que van desde la interseccionalidad hasta la identidad. Sus pinturas a gran escala, llenas de juegos de palabras, caras y figuras lineales, se han expuesto en el MoMA, el Museo de Arte de Brooklyn, el Whitney y la Galería Albright-Knox. También ha colaborado con el New York City Ballet; llenó el Lincoln Center con sus lienzos gráficos, y recientemente ha coreografiado su primer ballet, que se estrenará en la Ópera de Boston el próximo mes de marzo bajo el título Kites. Shantell Martin es pintora y filósofa a partes iguales. No cesa de ampliar los parámetros del mundo del arte con sus dibujos lineales monocromáticos, y prueba su estilo desinhibido y extravagante en distintos medios.
Nos sentamos con Shantell para hablar del proceso creativo que hay detrás del último mural, diseñado en colaboración con Ralph Lauren, de su propio estilo personal, de los artistas que la inspiran ahora, de cómo ha evolucionado su arte y de las novedades de 2022.
Cuéntanos algo del nuevo mural que has hecho en Brooklyn.
El diseño se inspira en el Mes de la Historia Negra que tuvo lugar en febrero. Quería crear una pieza que celebrara los iconos culturales negros y que contemplara varias cosas diferentes a la vez, y uno de sus temas principales es un reflejo del poder de la palabra escrita. Por eso incorporé citas y palabras sencillas pero profundas al mural. Es algo que hago mucho en mis trabajos. En esta pieza he incluido cuatro citas de Nella Larsen, Audre Lorde, Maya Angelou y James Baldwin, todos ellos poetas y escritores realmente increíbles, que ven, o vieron, el poder que tiene la palabra.
¿Por qué elegiste estas citas?
La primera cita que elegí fue la de "spiritual beauty" (belleza espiritual), que es parte de una cita de Nella Larsen, que, como yo, es birracial. Ambas somos medio blancas, medio negras, y me siento muy identificada con ella y sus escritos. Nella Larsen escribió un libro titulado Passing, en el que hablaba de que hay una amplia gama de colores de piel, pero si seguimos dividiéndola en blanco y negro, tenemos que elegir y crear bandos. Si tenemos que elegir, no hay lugar para la evolución. También añadí una cita de James Baldwin: "If I can, I may" (Si puedo, existe una posibilidad). Me gusta el sentido de posibilidad porque implica libertad y es un deseo positivo. Uso mucho la palabra "may" (posibilidad en inglés) en mis trabajos. Mi segundo nombre es Mayu. También quise incluir a escritores con los que quizá no estemos tan familiarizados, como Audre Lorde, que dijo: "I want to be recognized" (Quiero que me reconozcan). Yo también quiero que me reconozcan, como un ser humano, no que me vean, como esto o aquello. Y también incluí una magnífica cita de Maya Angelou: "If a human being dares to be bigger than the condition into which she or he was born, it means so can you." (Si un ser humano se atreve a ser más grande que la condición en la que nació, significa que tú también puedes). Me encanta esta idea porque me parece muy universal.
¿Cómo incorporaste estas citas en tu proceso creativo y en la iconografía?
Integré estas frases inspiradoras con los dibujos clásicos por los que se me reconoce. Los personajes y rostros sencillos que suelo utilizar en mis ilustraciones, que siempre aparecen conversando o dialogando entre ellos y con el espectador. También hay un conjunto de figuras lineales que se sostienen entre sí, se ayudan, construyen. Mantienen la integridad de la palabra y su misión, que es mantenerlo todo (y a todos) junto. Luego añadí referencias a las ciudades y los paisajes, que tienen que ver con la construcción de un futuro y la comprensión de los cimientos sobre los que se construyen las cosas. El lenguaje de la iconografía que he seleccionado refleja estas ideas, pero la pieza pretende ser, en última instancia, lúdica, edificante y accesible. Creo que así es como se puede comunicar realmente con la gente e inspirarles a pensar en algo, a hacer algo, a buscar algo o a probar algo nuevo.
¿Qué impacto esperas que tenga el mural sobre tu público?
Quería crear una pieza que se diera la sensación de ser una obra fresca, enérgica y abierta, y siempre me atrae la simplicidad de las cosas. Creo que si todos creamos, dibujamos o cuestionamos, el mundo será un lugar mejor para todos. Espero que la obra inspire a quienes pasen por delante del mural o a quienes se detengan a mirarlo.
¡El tamaño de la obra es ciertamente impactante!
Sí, ¡terminó siendo más grande y llamativa de lo que me esperaba! Me gusta ver mi trabajo a esa escala, porque en mi mente es así como se debe ver. La obra se ha realizado con un pincel fino y pintura acrílica negra sobre una superficie de madera imprimada, ya que hacía demasiado frío para que la pintura en spray se secara con un tiempo tan gélido. Espero que ponga de manifiesto la belleza y el conocimiento que trasciende la raza y que empodere a la gente para atreverse a cumplir sus sueños.
Cambiemos un poco de tema, ¿cómo describirías tu sentido personal del estilo?
Diría que mi mantra de estilo personal es que tiene que ser cómodo. Sin embargo, eso no significa que tenga que ser completamente informal. Durante años, he llevado camisas Oxford blancas, me permiten moverme y dibujar o ser tan flexible como sea necesario. Pero en general llevo una camiseta, zapatillas deportivas y vaqueros. Si necesito arreglarme un poco, me pongo una camisa Oxford. Sin un uniforme, hay mucha presión para cambiar las cosas, así que me baso en la sencillez.
¿Cómo ha evolucionado tu estilo a lo largo de los años?
¡No lo ha hecho! Me he vestido literalmente igual desde pequeña. Llevo exactamente las mismas cosas que cuando tenía 10 años... ¡y pienso seguir haciéndolo! Cuando estudiaba Arte en la Central Saint Martins, creo que me gasté demasiado dinero en vaqueros y camisetas chulas.
¿Qué te llevó a colaborar con Ralph Lauren?
Ralph Lauren es una de esas marcas que todo el mundo conoce, tanto si va con tu estilo como si no. Es un icono y tiene una identidad distintiva. Personalmente, es una marca con la que tengo un vínculo desde niña. Siempre ha representado un estilo atrevido pero clásico, y me encanta que sus prendas no sean recargadas sino más bien informales.
¿Qué es lo primero que piensas cuando piensas en Ralph Lauren?
Ralph Lauren es un ejemplo perfecto para imaginar a alguien que representa el estilo y el sueño americano. Ralph Lauren es una marca hecha a sí misma, iniciada por un hombre que tuvo una visión y ahora ha creado todo un imperio. Creo que las historias como la de Ralph Lauren son muy humanas y fáciles de contar. La historia que hay detrás de esta marca es algo muy inspirador para mí.
¿Qué artistas deberíamos seguir ahora mismo?
¡Buena pregunta! Ahora mismo, estoy disfrutando del trabajo de Kristin Kim y de Kristjana S Williams. Y Janet Echelman, que es una artista de Boston que crea unas enormes y hermosas redes drapeadas. Había una en el aeropuerto de San Francisco.
Recientemente has lanzado una colección de NFT, ¿qué piensas del mundo del arte actual?
Sí, es verdad. Creo que los NFT (tókenes no fungibles) son interesantes porque antes de que aparecieran, había un montón de artistas e ilustradores independientes, pero nadie veía su trabajo. No tenían una salida o una plataforma para ponerlo en circulación. Ahora hay muchísima gente creando comunidades y algunos de ellos incluso consiguen vender y revender su trabajo. Creo que eso es algo muy bueno.
¿Y ahora qué?
Ahora mismo estoy muy emocionada porque estoy a punto de ir a Boston para el estreno mundial del primer ballet que he coreografiado. Se llama Kites y se representará del 3 al 13 de marzo en la Ópera de Boston. He creado desde la escenografía, hasta el vestuario o la coreografía.
He pasado los últimos años estudiando cómo aplicar mi dibujo al movimiento y a la danza. También formo parte de su iniciativa más amplia, llamada ChoreograpHER, en la que encargan a mujeres que vengan a crear nuevas piezas. La bailarina principal, Tiler Peck, hizo una pieza, al igual que Melissa Toogood, del Merce Cunningham Studio, y Lia Cirio, del Boston Ballet. Son mujeres increíbles e inspiradoras.
También he estado creando mi propia música en SoundCloud. He sacado un puñado de álbumes. Nunca toco lo mismo dos veces y es algo improvisado como mi arte, pero hay algo de estructura.
¡Qué maravilla! ¿Algo más?
El ballet ha sido para mí algo enorme, pero también me entusiasma trabajar con Critical Mass. Fundé con ellos un programa de artistas residentes llamado CM: AIR, cuyo objetivo es mejorar las relaciones entre las marcas y los artistas. Celebramos mesas redondas con quienes trabajan en este sector y compartimos recursos, señalamos los problemas y disputas, y proponemos soluciones. Este año también voy a participaren un panel en SXSW, junto con Val Carson de Critical Mass. Estoy muy contenta con el programa de este evento porque creo que puede tener un gran impacto en los futuros artistas. Espero que esta iniciativa haga que el cambio sea aún más global. Siempre intento dejar las cosas en un lugar mejor para el siguiente artista que venga después de mí.
