Por amor
al arte

Resulta difícil saber si Jasper Johns, a los 91 años, se preocupa por su legado, pero está claro que los museos sí lo hacen. En 2018, el museo The Broad de Los Ángeles realizó una importantísima retrospectiva del artista con 120 de sus obras. Este otoño, Whitney y el Museo de Arte de Filadelfia acogen Mind/Mirror, una exhaustiva retrospectiva compuesta por cerca de 500 pinturas, esculturas, litografías y dibujos, entre los que se encuentran sus famosos cuadros de banderas. Estas obras son la viva imagen del arte y la perspectiva estadounidenses. Datan de los años 50, cuando John rechazó firmemente las formas intensas y llamativas del expresionismo abstracto que dominaba en el mundo artístico de Nueva York de la época. El artista se expresaba a través de símbolos conocidos como la bandera y dianas. Los juegos de palabras eran otro de sus motivos habituales. No es difícil reconocer estas obras y lo que representan. En ellas, la memoria se contrapone a la realidad, la imagen a la percepción, una lucha de perspectivas que lleva enfrentándose desde hace siete décadas. Sus pinceladas y su estilo reflejan su carácter bromista, pero a la vez filósofo. Lo que se ve no es siempre lo que se obtiene, el espejo no devuelve la imagen de la mente. Este punto de inflexión nos invita a reflexionar sobre quiénes somos.

Curran Hatleberg es uno de los fotógrafos más interesantes en activo y, en esta exposición, presenta todo su talento. El artista sigue los pasos de Robert Frank, Garry Winogrand y Ryan McGinley y explora los Estados Unidos en coche «para fotografiar el cenagal del sueño americano blanco», explica la conservadora Marina Chao. Lo interesante sobre sus fotografías es que la figura humana apenas está presente. La obra de Hatleberg indaga en lo más profundo de las relaciones personales o entre las personas y su entorno. Con un resultado más similar al trabajo de Ed Ruscha que al de Robert Frank, sus obras reflejan paisajes y un imaginario casi desprovisto de presencia humana: una carretera desolada; un perro que se abre paso a través de una mosquitera rasgada; un caimán muerto colgado... En este momento de balance y reflexión tras la pandemia, que para muchas personas ha supuesto una reevaluación de las prioridades de los valores, las relaciones y el lugar que ocupamos en el mundo, Hatleberg, se incluye en esta reflexión y nos obliga a contemplar el lugar y el espacio; lo que hemos conseguido y adónde hemos llegado. Estas fotos inspiran inevitablemente grandes preguntas y no es extraño preguntarse mientras se observan: «¿Dónde estoy?»

Si hay algo que debe saberse sobre los últimos trabajos de Robert Rauschenberg, cuyas «combinaciones» (obras en las que utiliza distintas técnicas tridimensionales) de los años 50 y 60 revolucionaron los collage, la pintura y la escultura, es que la televisión siempre estaba encendida en el estudio, pero casi siempre sin volumen. Esta exhibición explora la obra reciente de Rauschenberg, de los últimos 25 años de su vida (murió en 2008) y su vuelta a la pintura y la escultura. Mientras que los artistas de la Pictures Generation, como Richard Prince, se inspiraron y utilizaron otras fuentes, Rauschenberg, un pionero de la apropiación, hizo justo lo contrario al usar sus propias fotos. Trabajó en una época en la que la televisión por cable, la globalización y las imágenes en masa eran inevitables. Sus obras podrían ser más autobiográficas, pero reflejan el mundo de su alrededor, un poco como la televisión de su estudio. La exposición Channel Surfing, presenta un artista innovador extraordinario que va más allá de los límites del arte y realiza esculturas y pinturas sobre objetos encontrados. «Es la historia de cómo Rauschenberg se reinventa, volviendo, a su vez, a una forma de expresión anterior», explica Oliver Shultz, director de conservación del Pace.

Una vez, le preguntaron a Frank Sinatra por sus sueños y dijo que sus sueños tenían los colores de LeRoy Neiman. Neiman, que debería haber celebrado su centésimo aniversario este año, era famoso por sus ilustraciones de deportes estadounidenses y otras actividades de ocio con un estilo cinético y vívido. Su rica simbolización no solo se centra en la acción, sino que engloba todo el deporte o el espíritu de la actuación. Este otoño, gracias a una donación de más de 100 obras de la LeRoy Neiman Foundation, sus obras se expondrán en la Poster House. Sinatra, Muhammad Ali y otros iconos de la cultura estadounidense (muchos de los cuales eran amigos y musas de Neiman) compartirán sala en la Poster House. Pero las caras famosas no son lo mejor de Neiman, si por algo destaca este artista es por su estilo distintivo y centrado en la acción de los músicos de jazz, los golfistas, los tenistas y los atletas olímpicos a los que retrata. «Captura a la gente», explica Tara Zabor, directora ejecutiva de LeRoy Neiman Foundation. «Al mirar al atleta de salto de pértiga que está en mitad del aire, la mente del espectador completa el resto del movimiento. Neiman tiene la habilidad de ilustrar la cumbre de la acción que está ocurriendo». Los pósteres no son solo icónicos, son también obras fascinantes.

Hace tiempo, Etel Adnan adoptó una forma de expresión única. En los 50, cuando Argelia estaba gobernada por Francia, Adnan, novelista, periodista, poetisa y artista libanesa, que por aquel entonces impartía clases de Filosofía en California, se negó a volver a escribir en francés. Desde entonces, según decía «pintaba en árabe». En la obra escrita de Adnan fluye un gran sentido de la moral y la justicia social y, aunque sus grandes paisajes geométricos podrían parecer síntesis simples, representan todo un mundo. Un solo trazo de azul se convierte en el océano Pacífico y se aprecia la silueta del monte Tamalpais visto desde su casa de Sausalito, California. Es su mundo, pero también el nuestro. Etel usa sus impresiones y expresa el potencial humano a través del mundo natural con paisajes geométricos a medio camino entre lo figurativo y lo abstracto. Son obras sin florituras ni acabados, pero con una gran intención, precisión y fuerza. A medida que se suben los dos primeros pisos del edificio circular Frank Lloyd Wright, las pinturas, los tapices y los dibujos de Adnan, con sus formas recurrentes, capturan los pequeños momentos y nos dejan ver cómo una sola escena o una mirada pueden cambiar el orden de las cosas.

Hay muchos motivos para visitar Storm King en un día de otoño en el que los árboles (o el suelo, según el momento en el que se visite) están cubiertos de hojas doradas. Es la excursión perfecta desde Nueva York y es difícil encontrar una colección de obras de tal magnitud, con escultores tan experimentados, todos reunidos en un solo lugar (están todos los grandes artistas: Louise Bourgeois; Alexander Calder; Mark di Suvero; Sol LeWitt). Una de las últimas adquisiciones, una obra de Rashid Johnson, lleva en préstamo desde abril de 2021. Su nombre es «Crisis» (debido a The Crisis of the Negro Intellectual, un libro de Harold Cruse que tuvo una gran influencia durante el Movimiento por los derechos civiles en los Estados Unidos) y su cuadrícula de acero amarillo brillante, de casi 5 metros de altura, se sitúa en uno de los jardines de Storm King. Esta obra es un reflejo del presente y del pasado. Johnson realizó esta obra en 2019, cuando el debate sobre «la crisis en las fronteras» estaba a la orden del día en las noticias. La robusta cuadrícula pintada, que está al mismo tiempo fuera de lugar y en armonía con el espacio, expresa el peligro, el miedo y los espacios que podemos y no podemos ocupar. Esta escultura a gran escala, acogedora pero impenetrable, es espléndida, compleja y aterradora al mismo tiempo.

La obra de Katelyn Eichwald está rodeada de un halo de misterio. Sus pinturas son inquietantes y, sin embargo, están llenas de posibilidades. Son difusas y oníricas, y, a su vez, extremadamente precisas. Una soga se enrolla sobre sí misma en el suelo. Un elegante dedo sube la manga para examinar la parte frontal de un reloj clásico. Son películas de cine negro con un toque de terror representadas en lienzos. Eichwald utiliza pintura al óleo, aunque crea texturas ahumadas y vaporosas con pequeños pinceles redondos. Deja que la pintura penetre hondo en el tejido, casi como una mancha. En este oscuro entorno, hay personajes diferentes a los esperados, pero la tensión está presente continuamente; siempre hay mucho en juego. «Cuando una mira sus obras, no hay conclusión», explica Fabiola Alondra, la codirectora de Fortnight. «Te deja al borde de la silla y eso forma parte de verse arrastrada a sus obras. Además, son cinemáticas sin ser muy ruidosas. Son sutiles. Hay algo muy siniestro que me encanta». Y a usted también le encantará.